Übersetzung des Interviews von Journalistin Özge Ipek Esen mit Herr Martin Hoppe und Hakan Kursun über den Klangweg Hanau für K24 

Veröffentlicht am 23.01.2025 auf K24

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https://www.k24kitap.org/hanaudaki-yayalar-icin-bir-ses-yolu-5016

 

Ein Klangweg für Fußgänger in Hanau

 

Wir haben mit Hakan Kurşun über seine permanente Klanginstallation in seiner Geburts- und Heimatstadt Hanau gesprochen. Außerdem haben wir mit Martin Hoppe von der Stadtverwaltung Hanau über die Bedeutung der Ausstellung für die Stadt diskutiert…

 

Menschen neigen dazu, verschiedene Phasen ihres Lebens mit einem Lied, einem Film oder einem Buch zu verbinden.

 

Ähnlichkeiten herstellen, verknüpfen, Verbindungen schaffen – das ist für uns eine Möglichkeit, Dinge oder Phänomene zu verstehen. Manchmal auch, um sie zu erklären… Der Musiker Hakan Kurşun hat etwas sehr Ähnliches getan, jedoch mit einer etwas anderen Absicht. Kurşun, der in der deutschen Stadt Hanau geboren und aufgewachsen ist, hat der Stadt eine Klanginstallation mit sechs von ihm komponierten Stücken geschenkt. Die Ausstellung mit dem Namen Klangweg ist seit September 2024 zeitlich unbegrenzt zugänglich und lädt dazu ein, sie zu erkunden und zu hören.

 

Zusammen mit Martin Hoppe, dem Leiter für Kultur, Stadtentwicklung und Internationale Beziehungen der Stadt Hanau, habe ich die Ausstellung besucht und sowohl über die Stadt als auch über die Ausstellung gesprochen.

Die Ausstellung Klangweg besteht aus sechs Stationen mit den Titeln Geburt, Traum, Regen, Kraft, Erde und Weite Zeit. An den Standorten der Stationen befinden sich kleine Tafeln mit kurzen Informationstexten und QR-Codes, über die die Kompositionen angehört werden können. Die Standorte der Tafeln wurden so gewählt, dass sie sowohl für die Stadtgeschichte als auch für das Leben des Künstlers eine besondere Bedeutung haben.

Laut Martin Hoppe hatte Hakan Kurşun nach dem schrecklichen Anschlag am 19. Februar 2020 in Hanau dem Bürgermeister geschrieben und seine Absicht erklärt, einen Beitrag zur Stadt zu leisten, um die emotionalen Verbindungen zwischen Deutschland und der Türkei zu stärken und über demokratische Werte nachzudenken. Martin berichtete, dass sie, nachdem erste Ideen entstanden waren, mit Dr. Julia Cloot, der Vorsitzenden des Kulturfonds Rhein-Main e.V., sowie Mehmet Kuşcu, dem Vorsitzenden von Nilüfer e.V., gesprochen und sie um Unterstützung für das Projekt gebeten haben.

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Sowohl als Mitarbeiter der Stadtverwaltung als auch als Bürger bitte ich Martin, die Bedeutung dieser Ausstellung für die Stadt zu bewerten.

Er sagt, dass die Region Bayern und insbesondere Hanau seit dem 17. Jahrhundert kontinuierlich von Migration geprägt ist:

„Seit Jahren und auch weiterhin wechselt 20 % der Bevölkerung alle fünf Jahre. Mit jedem Wechsel müssen wir einige Dinge erneut erklären. Zum Beispiel wird es nächstes Jahr fünf Jahre her sein, dass der Anschlag stattfand. Und es gibt Menschen, die nichts darüber wissen. Deshalb müssen wir diese Menschen – wenn auch nur in kleiner Form – an solche Ereignisse erinnern. Wir müssen lernen und lehren.“

Wir sprechen darüber, wie das Interesse an der seit September geöffneten Ausstellung ist und warum es wichtig ist, dass sie dauerhaft bleibt:

„Ich halte es für sehr wichtig, dass dies ein langfristiges Projekt ist. Außerdem nutzen wir moderne Medien. Zum Beispiel können Sie sich die Musik selbst um zwei Uhr nachts in Neuseeland über die Website anhören. Und weil es eine Dauerausstellung ist, haben wir auch die Möglichkeit, neue Dinge hinzuzufügen. Ja, im September 2024 haben wir die Ausstellung mit dem Bürgermeister, Krankenhausvertretern, Goodyear-Vertretern und einigen Pressevertretern eröffnet. Natürlich kommen keine Menschen aus aller Welt, um diese Ausstellung zu besuchen. Aber das ist auch nicht das Ziel. Beispielsweise können Menschen, die sich am Neustadt Rathaus niederlassen, die Tafeln sehen, die Musik hören und dabei ein wenig nachdenken.“

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Nach unserer kleinen Tour mit Martin wurde mir klar, dass ich auch mit Hakan Kurşun sprechen und das Projekt aus seiner Perspektive hören sollte…

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Ich habe Ihr Interview bei Açık Radyo gehört. In der Sendung sagten Sie, dass Sie den Ansatz der Integration in der Migrationspolitik nicht für richtig halten und stärker an die Bedeutung einer teilnehmenden Gesellschaft glauben. Wie haben Sie das mit Klangweg in Verbindung gebracht? Zum Beispiel, welchen Beitrag könnte Klangweg Ihrer Meinung nach zu dieser Idee einer teilnehmenden Gesellschaft leisten?

 

Es kann Zeiträume zum Nachdenken schaffen. Wir leben in einer so schnellen Zeit, dass wir sehr wenig Zeit zum Nachdenken haben. Es gibt Zeiten, in denen wir sehr schnelle Entscheidungen treffen. Integration ist ein feststehender Begriff. Jeder spricht über Integration, aber… Ich habe mein ganzes Leben lang versucht, mich zu integrieren. Daher habe ich mit zunehmendem Alter angefangen, zu spüren, dass dies eigentlich nicht wirklich hilfreich ist. Ich begann, mich von der Idee der Integration zu entfernen und dachte, dass es ein mechanischer Prozess ist. Ich kam zu dem Schluss, dass eine teilnehmenden Denkweise und eine Ethik der Verantwortung notwendig sind, damit Menschen zusammenkommen können. Und vielleicht könnte ich die Menschen durch Musik, die Textur der Klänge und ihre Töne zum Nachdenken anregen. Es gibt einen solchen Kontext. Der Zweck der Musik ist es tatsächlich, die Menschen zum Nachdenken anzuregen. Ich habe nicht spezifisch festgelegt, was sie denken sollen. Die Menschen sollen das denken, was sie möchten. Meine Absicht in meinen Kompositionen ist es, Raum zu schaffen, damit man partizipativ sein kann.

 

Dass dieses Projekt von Ihnen stammt, dass Sie einen solchen Vorschlag gemacht haben und die Stadtverwaltung sofort gehandelt und mit der Umsetzung begonnen hat, könnte vielleicht ein Beispiel für eine teilnehmende Gesellschaft sein, anstatt für Integration…

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Ja!

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Nun, Sie haben gesagt, dass alles sehr schnell ist. Das führt mich eigentlich zu einer meiner späteren Fragen. Der Titel eines der Stücke ist Geniş Zaman (Weite Zeit). Warum nicht einfach Zeit, sondern Weite Zeit? Hat das etwas mit der Schnelligkeit der Dinge zu tun?

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Weite Zeit… Eigentlich habe ich zu bestimmten Zeiten versucht, die Zeit in meinem Leben zu beschleunigen, und in anderen Phasen habe ich versucht, sie zu verlangsamen. Weite Zeit bedeutet eigentlich, die Zeit zu lassen… Wenn wir die Zeit anhalten, gibt es bestimmte Perioden, an die wir gewöhnt sind, zum einfachsten Beispiel; den Herzschlag. Wir können ihn sogar verlangsamen. Der Herzschlag selbst beschleunigt und verlangsamt sich auch ständig. Das ist ein etwas komplexes Thema, natürlich… In bestimmten Phasen meines Lebens habe ich mich mit dem autonomen Nervensystem beschäftigt. Denn letztlich zieht es uns ständig vorwärts; wie sehr wir es beeinflussen, wie sehr es uns beeinflusst und wie unser Verhältnis zu ihm ist, hat mich dazu gebracht, die Musik zu verlangsamen. 

Bis zu einem bestimmten Alter hatte ich den Impuls, schneller zu spielen, schneller zu machen, weil ich dachte, das wäre besser. Irgendwann sagte ich mir: Moment mal, ich versuche es mal anders, ich werde langsamer spielen. Wie langsam kann ich spielen? Und dann begann ich so langsam zu spielen, dass ich merkte, dass in den Perioden, an die ich mich selbst gewöhnt hatte, eigentlich ganz verschiedene Welten existieren. Weite Zeit kommt daher; die Übergangsbereiche zwischen den Perioden, an die wir gewöhnt sind. Die Räume zwischen den Akzenten… So war es bei mir, diese Räume fühlten sich wie ein Nichts an. Aber in diesen Räumen gibt es große Universen, Welten. Wenn wir die Zeit öffnen und uns nicht auf die Perioden, sondern auf den Raum zwischen den Perioden, genauer gesagt den Raum zwischen den Akzenten konzentrieren, entsteht Weite Zeit.

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Ich werde wieder auf das Thema Zeit eingehen. In einer der sechs Kompositionen haben Sie ein Metronom verwendet, in den anderen haben Sie den Zeitfluss offen gelassen, haben Sie gesagt. Es klingt nicht nach etwas Technischem, sondern eher abstrakt und gleichzeitig scheint es etwas zu sein, das jeder in seinem Leben fühlen kann. Welche Wirkung hat es auf den Zuhörer, den Zeitfluss offen zu lassen? Wie hat es Ihren Kompositionsprozess beeinflusst?

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Periodische Systeme haben in unserem Leben zunehmend ihren Platz gefunden. Auch in der Musik gibt es periodische Systeme. Besonders nachdem wir in den 80er Jahren begannen, mit Computern zu arbeiten… Das Metronom gibt es schon lange, sowohl als Instrument als auch als Klang… Und beim Musizieren stützen wir uns auf ein bestimmtes Zeitintervall, ein periodisches System, also das Metronom, um unsere Zeit zu kontrollieren, damit wir nicht zu schnell oder zu langsam werden… Um diese Kontinuität zu gewährleisten… Das ist auch eine musikalische Herangehensweise. Das können wir als absolute Zeit bezeichnen. Es gibt aber auch relative Zeit, also offene Zeit: das Spielen ohne Metronom. In der akustischen Musik, in vielen Musikrichtungen. Früher wurde Musik offen aufgenommen. Jazz, Rock, Pop… Mit dem Einsatz des Computers begann man zunehmend mit Metronommusik zu arbeiten. Der Großteil der populären Musik, die wir heute hören, ist Metronommusik. Metronommusik ist auch sehr schön. Ich habe mein Leben lang Metronommusik gemacht. Aber ich habe auch Musik ohne Metronom gemacht. Aber während ich an diesem Projekt arbeitete, sagte ich mir: Du musst es offen aufnehmen. Wenn man ohne Metronom spielt, dann gibt es keine zeitliche Begrenzung, keine Kontinuität. Man kontrolliert vollständig, wohin die Musik gehen soll; man spielt also in variabler Zeit. Variable Zeit ist eine enorme Kraft im musikalischen Ausdruck. Die Musik zu lenken, das Tempo zu lenken… Ich wollte dies in diesem Projekt nutzen, sowohl weil es im öffentlichen Raum ist, als auch weil ich mich frei ausdrücken konnte. Deshalb habe ich besonders die Stücke offen aufgenommen. Das ist spürbar, zum Beispiel in der Geburt-Komposition, deren Tempoaufbau völlig innerlich und variabel ist. Der Zeitwechsel ist ein sehr wichtiger Teil des Ausdrucks. In Erde wollte ich bewusst eine feste Zeit verwenden. Auch das hat seine eigene Schönheit. Innerhalb fester Zeiträume kann man seine eigenen Zeitintervalle schaffen, aber dann wieder zurückkommen und sich an die Geschwindigkeitsentscheidung halten, die man zuvor getroffen hat, und dort weitermachen. Auch das hat seine eigene Welt.

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In den Kompositionen gibt es keine kulturellen oder ethnischen Elemente. Es scheint eher etwas Universelles zu sein. Sie verwenden zwar ein Bendir, aber auch eine Gitarre, und in der Art und Weise, wie diese Instrumente in den Stücken verwendet werden, gibt es keinen ethnischen Klang. Gibt es einen Grund dafür?

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Völlig innerlich... Manche angesammelten visuellen Eindrücke, Leben, Erinnerungen entstehen durch die Klangfarben. Ich habe die Instrumente gespielt, die ich beherrsche, und wollte keine Bilder hinzufügen, die durch die Klangfarben entstehen könnten. Denn mit dieser Kombination kann ich mich ausdrücken. Ich habe viel über die Gestaltung der Klangtexturen nachgedacht. Was muss ich tun… Zum Beispiel gibt es die Kraft; am Eingang der Fabrik… Ich habe viele Erinnerungen an die Fabrik. Wie kann ich eine Klangtextur schaffen, die dieses Gefühl vermittelt und verständlich ist? Dort gibt es Bendir und akustische Gitarre, die die Kraft symbolisieren. 

In einigen Stücken habe ich das akustische Klavier verwendet; ich wollte die Tiefe, die es erzeugt, nutzen. Diese Klänge sind die Farben und Instrumente, die in meinem Leben existieren und die ich beherrsche. Ich fühle mich mit ihnen wohl, deshalb habe ich die Struktur mit ihnen geschaffen. Es ist also völlig innerlich; ich habe so gespielt, wie ich mich gefühlt habe. Ich habe auch darüber nachgedacht, wohin ich kommen möchte, weil es im öffentlichen Raum stattfinden wird und die Menschen auf die Musik treffen werden. Um meine Musik einem größeren Publikum näherzubringen, habe ich die Farben der Klänge sehr minimalisiert, wollte kompaktere, verständlichere Klänge erzeugen. In einigen Stücken gibt es Synthesizer-Klänge. Die habe ich auch gestaltet. Sie symbolisieren die Gegenwart und die Zukunft. Jedes Instrument symbolisiert eigentlich eine andere Epoche. Die Gitarre und das akustische Klavier symbolisieren in gewissem Sinne den Modernismus… Der Synthesizer symbolisiert zeitgenössische Musik. Ich habe eine Beziehung zwischen den Epochen und den Klängen hergestellt. Mein Hauptinstrument ist die Gitarre. Ich habe die Gitarre so gespielt, wie ich es wollte.

 

Ich nehme an, dass die Idee der Öffentlichkeit Sie bei der Entstehung der Kompositionen sehr beeinflusst hat.

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Es hat mich aufgeregt… Es hat mich gestresst… Es hat mich noch mehr zum Nachdenken gebracht. Außerdem wurde die Entscheidung, dass es eine permanente Ausstellung wird, erst im Januar festgelegt. Zuvor hatte ich es als eine temporäre Ausstellung vorgestellt. Aber dann entschied sich die Gemeinde für eine dauerhafte Ausstellung. Das hat meinen Puls wirklich in die Höhe getrieben. Denn bei einer temporären Ausstellung hätte ich impulsiver handeln und mit einem anderen Gefühl arbeiten können. Die Entscheidung für eine permanente Ausstellung hat bei mir eine enorme Verantwortung ausgelöst. Vielleicht wird es in 30 Jahren noch gehört, in 50 Jahren noch gehört. Wenn jemand es zu dieser Zeit hört, wollte ich, dass es verständlich ist. Als ich die Klangtexturen entwarf und die Kompositionen schuf, dachte ich darüber nach, wie die harmonische Entwicklung sein könnte, wie die melodische Struktur sein könnte, wie die Interaktion zwischen den Instrumenten aussehen sollte… Ich habe all das ehrlich gesagt bedacht. Ich habe 3-4 Monate nur nachgedacht, Modelle gemacht, nachgedacht, komponiert, weggeworfen, erneut komponiert, weggeworfen. Ich hatte interessante drei Monate. Danach habe ich die Instrumentenauswahl für die Kompositionen getroffen. Und dann habe ich sie aufgenommen. Ungefähr drei Monate dauerte auch das. Die Tatsache, dass es im öffentlichen Raum ist, brachte eine völlig andere Verantwortung mit sich. Ich hatte zuvor Alben aufgenommen. Ich habe meine eigenen persönlichen Alben. Wenn man ein Album macht, denkt man daran, dass es dauerhaft und im öffentlichen Raum sein wird. Aber hier fühlt es sich persönlicher an. Die Menschen stoßen eher zufällig und persönlich auf diese Musik. In so einem Fall fügt man der Stadt tatsächlich eine Klangatmosphäre hinzu. Diese Verantwortung ist meiner Meinung nach etwas anderes. Deshalb gibt es zum Beispiel keine Texte. Es gibt an einer Stelle sehr wenig Text, etwas sehr Leises, einen Satz… Aber im Allgemeinen gibt es keine Texte, ich habe keine hinzugefügt.

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Wegen der Öffentlichkeit…

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Ja, auf jeden Fall…

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Es gibt keine Texte, das haben Sie schon gesagt, aber es gibt auch keine visuellen Elemente…

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Es gibt eigentlich ein Bild. Ein Bild von einer Wiese vom Berg Madur. Nur das gibt es. Darüber habe ich auch lange nachgedacht

Zum Beispiel das Schild von Dunlop, wäre ein visuelles Element aus den 60er-70er Jahren nicht möglich gewesen?

Wir haben zwei Jahre lang darüber nachgedacht, was auf die Tafeln kommen sollte. Zwei Jahre lang habe ich gleichzeitig auch darüber nachgedacht, was ich komponieren sollte. Was soll auf den Tafeln stehen... In der Kommunikation wird viel mit visuellen Elementen gearbeitet; hier liegt der Fokus jedoch auf der Hörbarkeit, und letztendlich ist das Ziel, Fußgänger dazu zu ermutigen, die Geräusche zu hören. Wenn man versucht, mit Bildern oder visuellen Elementen auf eine musikalische Arbeit aufmerksam zu machen, erreicht das sofort viele Daten im Gedächtnis; ein Urteilsmechanismus wird sofort aktiviert: gut-schlecht, mochte ich-nicht gemocht. Denn so funktioniert das Bild… Viele Geschmackssysteme kommen ins Spiel. Schreiben ist eine tiefere Kommunikationsform, denn wenn man den Text liest, wenn das Auge den Text sieht, werden sofort bestimmte Mechanismen geschlossen; schön oder hässlich... und man fängt an zu lesen. Wenn man zu lesen beginnt, kommt man durch den Kontext und die Syntax zu einer Schlussfolgerung und sagt: ‘Ich werde das hören oder nicht hören.’ Deshalb wollten wir auf den Tafeln zunächst durch linguistische Kommunikation auf uns aufmerksam machen. Nicht durch verschiedene Formen, Bilder oder Abbildungen… Wir wollten keine gedanklichen Brücken schaffen.

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Sie wollten also nicht lenken.

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Ja, wir wollten nicht lenken. Derjenige, der es liest, würde schnell eine Entscheidung treffen. Natürlich hätte es auch Interesse geweckt. Aber wir wollten diesen Raum nutzen. Sie sollten die Informationen lesen. Es gibt ohnehin nur wenige Informationen. Der wichtigste Satz dort ist eigentlich: ‘Jeder Tag ist ein neuer Tag…’ Und wir wollten auch die Informationen der anderen Stationen dort haben. Es gibt nur ein Bild, das ist das Bild der Wiese, die ich auf dem Berg Madur aufgenommen habe. Ein Ort, den ich sehr mag. Ich habe es letzten Sommer aufgenommen.

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In dem Video von ‘Regeneration’ gibt es auch ein Bild von dort, oder?

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Ja, aber dieses Foto gibt es nicht. Es ist ein schöner Ort zum Nachdenken. Eine interessante Geographie. Etwas Entspannendes. Auf dem Foto sind Schafe. Stellen Sie sich einen Berg vor, auf etwa 2.200-2.300 Meter Höhe, der Gipfel liegt bei über 2.400 Metern. Sie können also sehr nah an den Gipfel herankommen. Niemand ist dort, nur Schafe und ein Hirte in der Ferne. Ich habe viele Fotos gemacht. Wenn man sich dieses Foto zum ersten Mal ansieht, fühlt man sich entspannt, so geht es mir jedenfalls. Es hat auch etwas Zivilisatorisches, Schafe, ein Hirte... Wirtschaft... Es symbolisiert eigentlich viele Dinge. Leben, Kontinuität, Kraft. Es hätte auch etwas Abstraktes sein können, es hätte grafisch sein können, es hätte etwas mit der Geschichte von Hanau zu tun haben können, aber ich finde, dieses Bild erzählt es sehr gut.

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Wie trägt der Klangweg Ihrer Meinung nach zur Identität der Stadt bei? Oder wie hoffen Sie, dass er zur Stadt beiträgt?

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Ich hoffe, dass er Zeiträume zum Nachdenken öffnen kann. Ich habe die Kompositionen so gestaltet, dass ich mir die Fußgänger vorgestellt habe, die den Klangweg besuchen oder ihn entlanggehen. Die ganze Struktur ist auf Fußgänger bezogen. Ich hoffe, dass sie, wenn sie diese Musik hören, ein wenig entspannen können. Ich hoffe, dass es Räume schaffen kann, in denen sich das Denken der Stadt weiterentwickeln kann.

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Es könnte eine sehr vereinfachte Frage sein. Wenn Sie eine der sechs Kompositionen auswählen müssten, welche würden Sie sagen: ‘Das ist Hanau’?

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Geburt.

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Ich dachte, Sie würden Kraft sagen.

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Kraft ist auch sehr gut, Geburt, Weite Zeit… Kraft beschreibt mich mehr. Geburt, Hanau… Ein bisschen auch Weite Zeit… Denn gegen Ende wird es etwas chaotisch. Dort gibt es viel Spannung, aber Geburt hat einen besonderen Platz.

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Vielen Dank für dieses schöne Interview.

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Ich danke Ihnen.

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